【前編】宮田会長と巡る日展鑑賞会 ― 日本画の魅力に触れる

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2026年11月5日（木）、東京・六本木の国立新美術館で、新潟市サポーターズ倶楽部主催の「宮田会長と巡る日展鑑賞会」が開催されました。

今回の鑑賞会では、日展理事長であり、新潟市サポーターズ倶楽部の会長でもある宮田亮平氏の解説を聴きながら、展示作品を巡りました。

本記事では、日展の歴史や宮田会長の経歴に触れながら、最初に訪れた日本画部門についてご紹介します。

100年以上の歴史を持つ「日展」

日展（日本美術展覧会）は、1907年（明治40年）に開催された「文部省美術展覧会（文展）」を前身とする、日本最大級の総合美術展です。

明治時代、日本の美術文化の振興を目的に始まった文展は、その後「帝展」「新文展」「日展」と名称や運営体制を変えながら、100年以上にわたり日本美術の発展を支えてきました。

当初は日本画・西洋画・彫刻の3部門でしたが、1927年（昭和2年）に工芸美術、1948年（昭和23年）に書が加わり、現在の5部門となりました。
第119回を迎える今年の日展では、全国から集まった約3,000点の作品が展示されています。

東京では国立新美術館にて、11月22日（日）まで開催中です。

宮田亮平会長について

今回、鑑賞会で解説をしてくださった宮田亮平会長は、1945年に新潟県佐渡で生まれた金工作家です。

東京藝術大学大学院で鍛金を学び、同大学の学長や文化庁長官を歴任。日展内閣総理大臣賞や日本芸術院賞など数々の賞を受賞し、2023年には文化功労者に選ばれました。

イルカをモチーフとした金工作品「シュプリンゲン」シリーズでも知られ、現在は公益社団法人日展の理事長を務めています。2024年の5月には、当会(東京新潟県人会会長)に就任しました。

日本画の展示室から鑑賞スタート

鑑賞会は、1階の日本画部門から始まりました。

皆さんは「日本画」と聞いて、どのような作品を思い浮かべるでしょうか。葛飾北斎の浮世絵や、雪舟の水墨画など、日本の伝統的な絵画を想像する方もいらっしゃるかもしれません。横山大観が描いた雄大な富士や、東山魁夷の静けさをまとった風景画を思い浮かべる方もいると思います。

こうした作品を思い浮べたとき、日本画にはどこか格式のあるイメージを持つかもしれません。
しかし、実際に今の美術展で目にする「日本画」は、明治時代に西洋画との出会いの中で形づくられ、作家たちが新しい表現を試みながら発展させ、新しい見方の「日本画」へ進化しています。

日展の展示室を歩いてみると、風景や花鳥に加え、人物や動物、身近な暮らしの一場面を描いた作品や、抽象的な表現の作品も並んでいます。鮮やかな色彩に目を引かれたり、大胆な構図に驚いたり。「こういう表現も日本画なんだ」と感じる一枚に出会えるのも、さまざまな作家の作品を見比べることのできる日展ならではの楽しみの一つです。
ちなみに私の感覚としては去年は美人画の作品が多かった気がしましたが、今年は動植物や人物画が多かった印象でした。宮田会長によると日展のルールとして、審査員は二年連続での審査ができないとのこと。そのため、年によって展示室の印象が変わるのも面白い点です。

宮田会長は、今回も時折冗談を交えながら作品の解説してくださいました。時間の都合上、ひとつひとつの作品を観ることはできませんが、会長が作家さんのお人柄を紹介してくださったり、会場で見かけた作家さんに声をかけてくださったり。その場でご本人から製作秘話を伺えることもありました。宮田会長ご自身の作家としての視点や、日展の審査員としての視点を聞けるのも、このツアーならではです。

日本画こそ、美術館で見てほしい

美術館で日本画を見るとき、ぜひ注目してほしいのが、絵具の表情です。

日本画には、主に鉱石を砕いてつくられる岩絵具（いわえのぐ）が用いられます。
粒子の大きさや材質によって、色の濃さや質感が変わる画材です。

作品によっては光を受けた粒子がきらめき、少し近づいたり、見る角度を変えたりするだけで、同じ色でも違う表情が見えてきます。岩絵具については、また別の記事で詳しくご紹介しようと思います。

絵画や彫刻、工芸など、あらゆる美術作品に実物ならではの魅力がありますが、日本画の岩絵具の粒子感や、光によって生まれる豊かな表情は、日本画を鑑賞する際に特に注目していただきたい部分です。

また、日展で日本画を見るときは、絵の「ふち」にもぜひ注目してみてください。
作品の大きさに合わせた木の枠や、細いアルミの枠など、画面の囲い方にも作家ごとのこだわりを感じられます。
日本画では、西洋画に見られるような豪華な額縁はあまり使われません。
ここに、日本の感覚と西洋の感覚の違いが見えてきます。

日本画での額縁（仮縁(かりぶち)）は作品を守りながら、絵そのものに自然と目が向く仕立てとなっています。
一方で西洋画(油絵)での額縁は箔や彫刻が施されており、絵を支えて守りながら、作品の見え方も引き立てるような仕立てとなっています。(日本画の、掛け軸の表装の感覚はこれに近いですね。)

もともと日本の絵というのは屏風や襖、掛け軸として仕立てられることが主流でした。
対して西洋は壁に飾るための絵＝額装を前提に作成されていたので絵を額縁に入れる文化がありました。
明治期ごろに日本に西洋の文化が広く浸透するようになると、西洋建築に影響を受けるのに合わせて絵を壁掛けで鑑賞するようになり、額装される日本画も増えていきます。
ちょうどこの頃に、日本画で描かれる題材(モチーフ)自体にも変化が始まった、というのはまた別の話です。

日本画は額縁にはめるような、画面全体を覆うガラスもないので、反射を気にせず、絵具の粒や光り方をじっくり見られます。作家が描いているときに見ていた絵の「顔」を、ほとんど同じように鑑賞できるところが日本画の隠れた楽しみ方でもあります。
西洋画(油画)の展示室にも足を運んだ際には、画材の違いと共に絵画の在り方を見比べてみるのも面白いポイントとかと思います。

まずは少し離れて絵全体を眺めてから、近づいて絵具の表情などを見てみてください。
離れたところからは気づかなかった色や質感が見えてくるかと思います。

大作が並ぶ日展ならではの迫力

日展のもう一つの魅力が、大きな作品の数々です。

日本画部門には、高さが2メートルを超えるような大作も出品されます。

日本画はイーゼルは使用せず、基本的に寝かせて描くことが多いです。
にじみを出すために水をたっぷり使う工程では、絵具が流れないよう、画面を水平に置いて描くことがあります。
大きな作品の場合は、床に置いた画面の上に脚付きの板を橋のように渡し、その上に座って手を伸ばす描き方もあります。
工程が進むにつれて、画面を立てて全体を確かめたり、細かなところを描き込むために、ようやく立てかけて書くようになります。絵を見るときにぜひ、どうやって描いたのかもご想像ください。

新潟県出身の日本画入選者

ちなみに今回の第119回日展では、日本画部門の入選者名簿に、新潟県出身の作家3名が掲載されています。

出品者	作品名
西田恵利子さん	「花の宴」
中谷小雪さん	「アサギマダラ旅立つ」
星野宏喜さん	「ドッコイ丸」

※日展公式の第1科（日本画）入選者名簿における「出身都道府県」に基づいています。日展会員などの無鑑査出品者を含む全出品者の集計ではありません。

ご入選、おめでとうございます。

作品紹介

ここからは、鑑賞会で私が気になった作品をご紹介します。作品写真は色を補正していませんが、会場の照明や撮影条件によって、実物とは色味が異なって見えることがあります。写真を見て気になった作品があれば、ぜひ会場で探してみてください。

※作品については、筆者が鑑賞して感じたことを書いています。

導き／亞種

一般的に連想される「THE・日本画」のイメージと真逆をいくテイストの作品です。
日本画では、重ねた色の透け感や、絵具のにじみ・ぼかしなどを活かした作品をよく見かけます。
こちらの絵はグラフィックの様な構成に、強い色を組み合わせた配色。イラストチックな画風でフレスコ画を彷彿とさせる画面です。その組み合わせが斬新で、思わず目を惹かれました。
まさに、私たちの固定概念的な「日本画」を取っ払い、「日本画って自由なんだ…」と日本画のイメージをひっくり返してくれる作品です。

私は最初グラフィック作品かと思ったのですが、近くに寄って見ると、画材の表情が見えてきます。墨や箔、岩絵具の質感が見えてくると、遠くから見たときとはまた違う面白さがあります。

國技／菊池 治子

相撲の力士たちを描いた作品です。こちらの岩絵具は、一つ前に紹介した亞種さんの作品とはまったく異なる表情を見せています。同じ画材でも、作家が何をどう描くかで、ここまで表現が変わる。そうした違いを一度に見比べられるのが、日展の日本画部門の面白さです。

菊池さんは、日本らしいテーマを扱い、ぼかし、滲み、筆跡、岩絵具の鮮やかな表情を、画面全体に魅せています。胡粉の、薄い膜を張ったような日本画ならではの空気感と、力士の視線、表情、毛、血の通っている肌の色が、それぞれの力士ごとに異なる描き込み、画面の構成が面白い作品です。

特に岩絵具の表情の豊かさ、色の鮮やかさとマチエールが私はとても好きで、しばらく立ち止まって見上げていました。色を薄く何層も重ねたところには、鮮やかさの中に少しくすんだような深みがあります。一つの大きな画面の中に、ぱっと目に飛び込んでくる色と、見ているうちにじわじわ効いてくる色がある。そこも私が日本画を好きなところです。

海へ漕ぎ出す／岩田 壮平

東京都知事賞受賞作品です。岩田さんは花を題材に圧倒的な鮮やかさを持った優美な作品を多く生み出している作家さんです。
たらしこみの技法を扱い、筆跡や輪郭線が見えない画風が幻想的な美しさを際立てています。
私はだいぶ昔に日本画と知らずに岩田さんの作品を見たことがあり、後から知って驚いた頃もありました。
多色を使っているのに沈まない鮮やかさ、人を惹きつける派手さ、どうやって描いたんだろうと絵に近づいてみると、膠が渇いた後ののテリテリっとした感じを見れる部分もあり、あ、やはり日本画なんだと実感する感じが、鑑賞時の楽しいポイントです。この機会に、ぜひ実物を見に行っていただきたいです。

高島屋で個展を開かれていたり、昨年は京友禅の老舗「千總」とコラボしていたり、実は街中で作品を見かけていたという方も多くいらっしゃるかと思います。

HARUMI /西田 眞人

豊洲・晴海の景色を描いた作品。
その地の空気を絵に閉じ込めたような、空間ごと伝える風景画を多く描かれる兵庫出身の作家さんです。
黒いビルが青い空間から浮き上がってくる様子、見え方が同じところがなく面白さを感じます。
ピシッと写真のように描き込むところと、マチエールを魅せるところ、それぞれの見応えが絵の中で両立しているところも見どころです。

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宮田会長が小話として「日本画材の青色は高い」というお話をしてくださいましたのでどれくらい高いのかをここで解説します。
日本画に使われる天然の青色顔料は、特に高価なものとして知られています。

例えば、藍銅鉱（らんどうこう）から作られる天然群青は、わずか1gで約400円。
岩絵具は鉱石の粒子を重ねて色を表現するため、広い面積を塗るには多くの絵具が必要です。
A4用紙約4枚分の面積を塗る場合、一般的な岩絵具の使用量を参考にすると、天然群青なら絵具代だけで約18,000円にもなる計算です。

(私も趣味で日本画を描くので、ここだけの話なのですが、日本画を描く人は青をふんだんに使用した日本画をみると、絵に使用した材料費のことが頭の片隅に浮かんできたりします。そのため、一面が青い日本画は実は意外と少なかったりするのでそういった目線でも楽しんでみてください。)

宙／村居 正之

題名は「宙」。写真作品かと思うほどの落ち着いた表情の空気感を漂わせていた作品です。
この大きな画面をムラなく塗るのは本当に難しい手仕事です。塗り終えた後も、汚さないように画面に触れないようにどうやって制作していたのか思わず考えてしまいます。
写真だと小さい写真に見えるかもしれませんが、実際の絵の大きさは身長かそれ以上ほどあります。
山肌も左側と右側で表情が違うところや。光がどの向きから当たっているのかが感じとれる点が絵画としての評価も高いと会長が解説されていました。

岩舟山／中村 眞

隆々とした岩肌のような山を描いた作品。赤い空の上の方では色の重なりが見えて、同じ空の中に色々な表情が見えます。写真だと分かりづらいのですが絵の具の質感とモチーフがマッチしていてどっしりとした見応えがあります。手前の方が少し薄暗いのも画面の中央あたりを際立たせていて、絵の世界に引き込まれました。

山の音／本多 由佳梨

抽象画かと思いきや風景画。火山口でしょうか。絵の具の質感と画面全体の色味がとても好きで引き込まれました。画面中央で赤色に対して水色がぶつかる鮮やかさ、滲み、ぼかし、の中で輝きを見せる箔。表情が豊かで見るたびに色々感じさせてくれます。

近くで見るとより一層、色のぶつかりやマチエールが楽しめます。

経て纏う時間／田中 千寛

構成がスマートで、見惚れました。近づいてみると描き込みがとても丁寧で、服の質感も、色の鮮やかな中に肉体を感じられて、絵の全体で、物語を感じました。

飛跡／中島 梨瑠

にじみの表現と、描き込みの対比、構成が面白く眼を惹かれました。
色鮮やかなワンピースに対する、肌色の質感、背景の色が押さえられていて、大群の蝶と人物がパッと目に飛び込んでくるところにも動きを感じました。

特に好きな箇所です。

次回は工芸美術・洋画・彫刻・書へ

日本画の鑑賞を終えた後は、工芸美術、洋画、彫刻の各部門へと進みました。

次回は、宮田会長と巡ったそのほかの部門と、鑑賞会後に訪れた書の展示についてご紹介します。

(記：内田万理)